Taide laulu

Taidetta laulu on genre on kappale , joka on tulkittu pelkästään sen perusteella, nuotteja ja kehitetty lopulla 16-luvulla . Alalla laulu vaatii klassisen laulu koulutusta ja perinteisesti eroaa siitä Aria vuonna ooppera ja oratorio ja -alueelta laulu draamaa (kuten Wienin Couplet ) in suorituskykyä puitteissa on kappaleessa .

Mukaan laaja näkymä loppupuolella 19th century, erotus kansanlaulu oli , että se oli siirretty suullisesti ja usein ollut mitään tunnettua säveltäjänä, vaikka taidetta kappaleet vaativilla jonka säveltäjä tunnetaan nimeltä . Taidekappaleet koostuvat yleensä lyriikasta .

termi

määritelmä

Mitä tulee sisältö ja laajuus termi, kolme näkymää voidaan erottaa:

Art-laulu on kapeammassa mielessä eurooppalainen laulu, jonka alkamispäivä on vuodelta 1810 ( Franz Schubertin asetusten alku ) Richard Straussin ja Arnold Schönbergin teoksiin , keskittyen saksankielisiin kappaleisiin. Art-laulu on laajemmassa merkityksessä soololaulu länsimaista ( sointu ) instrumentaalisäestyksellä monodian käyttöönoton jälkeen noin vuonna 1600. Art-laulu sisältää yleisimmässä mielessä kaikki kaikkien aikojen kappaleet, joilla on tietty " taide ". vaatimus.

Käsitehistoria

Ennen 1700-lukua yhtään nimenomaista kappaletta koskevaa työtä ei ilmestynyt Saksassa. Tuolloin kappaleella oli paljon vähemmän merkitystä kuin kirkon ja teatterin musiikilla. Se pysyi sidoksissa porvaristoon eikä löytänyt tietään hovimusiikin alueelle. Siksi tuon ajan musiikkiteoreetikot eivät tuskin huomanneet sitä. Nykyaikaisissa tietosanakirjoissa ja sanakirjoissa viitataan odeihin tai "musiikkiin ja runouteen". Aikaisemmin pejoratiivisesti käytetty termi päivitettiin korostamalla laulun yksinkertaisia ​​ominaisuuksia:

Christian Gottfried Krause kirjoitti ensimmäisen kattavan kappaleensa estetiikan . Hänen tutkielmansa musiikillisesta runoudesta (1752) muodosti perustan ensimmäiselle Berliinin laulukoululle , mutta vaikutti myös toisen kansanlauluun pohjautuneen Berliinin laulukoulun ulkopuolelle ja 1800-luvulle saakka. Aariasta poiketen hän piti kappaletta helppona vitsikappaleena, jota kuka tahansa voisi soittaa helposti ja laulaa ilman flyygeliä ja muita instrumentteja. Tämä yksinäisyyden ja suosion kysyntä jatkui wieniläisessä klassikossa ja löysi sen ulkomuodon lyhyestä säkeestä, jossa oli kevyttä, tarttuvaa tekstiä ja rajoitettu alue . Johann Georg Sulzer erotti kappaleen ensin artikkelin kahteen osaan, "Lied (runous)" ja "Lied (musiikki)".

In Die Liederkunst (1817), Hans Georg Nägeli , toisaalta, vaati uudenlaista laulun millä kielellä, laulu ja säestys yhdistettiin korkeampaan kokonaisuus.

Käsite taidetta laulun ensimmäisen kerran vuonna 1841, jolloin Carl Koßmaly löytyy, jolloin sillä aika romanssi alkamisen erottaminen kansanlaulu ja virsi sitoutui.

Richard Wagnerin mietiskelyt kunnianlaulusta kiristivät kontrastia muodollisesti sitomattoman, usein taidokkaammaksi, perusteellisemmaksi laulutekstin sävellyksen ja yksinkertaisen säkeistön välillä. 1800-luvun jälkipuoliskolta lähtien on ollut myös orkesterisäestyksellä lauluja , kuten Hector Berliozin Les nuits d'été 1856 -sarja .

Vuonna 2004 julkaistussa yleisessä tieteellisessä esityksessä yritetään välttää termit laulu, taidelaulu ja kansanlaulu ja ehdotetaan sen sijaan ilmaisua musiikillinen runous yleisnimeksi vapautuakseen ideologisista merkityksistä ja keskittymisestä saksalaiseen tai eurooppalaiseen työhön.

Taidekappale keskittyy saksankieliseen alueeseen, mikä näkyy myös siitä, että termi laulu on hyväksytty muuttumattomana muilla kielillä. Se on tiiviisti sidoksissa vapautumisen saksankielisen porvaristo 19. vuosisadalla ja sen sosiaaliseen toimintaan, kuten Liedertafel , "on aika häpeällinen orjuudesta Germanness ", kuten musiikkitieteilijä Hugo Riemannin laita se 1882. Tämä yhdisti asenteen aatelia ja papistoa vastaan ​​yhteiskunnan ylemmänä luokkana ja ulkomaisia, tuolloin pääasiassa ranskalaisia, vaikutuksia vapautussodissa . Hyvin koulutetut, yksityisesti järjestetyt konsertit ja iltajuhlat tarjosivat vaihtoehdon edustaville tapahtumille yksinomaan aristokratian puitteissa tai teatterin yleisön viihdettä varten. Saksan kieli kansallisen yhtenäisyyden puutteen aikana, halu siviilikoulutukseen paikallisten runoilijoiden ja muusikoiden arvostuksella edisti sitä, että taidelaulun intiimistä muodosta tuli sosiaalinen ihanne.

muodostamaan

Yksinkertaiset jaekappaleet

Melodia ja säestys ovat samat jokaisessa jakeessa. Tällä tavalla luotu yleinen tunnelma ulottuu koko kappaleeseen. Esimerkki: lepo , CF Zelter . Mielialan muutoksilla ei ole vaikutusta strofiseen rakenteeseen.

Vaihtelevia säkeitä

Melodia ja säestys muuttuvat tietyissä säkeissä. Esimerkki: The Linden puu päässä Winterreise sykli , Franz Schubert . Mielialan muutokset on vain vähäinen vaikutus strophic rakenne (esim. Muutos suuria ja pieniä , koristeena stanzas, ylimääräisen pienemmän uusi osa)

Sävellyt kappaleet

Toimintaa seuraa aina uusi melodia ja säestys. Esimerkkejä: Kinderstube- syklin Njanjan kanssa , Modest Mussorgsky . Tämän tyyppinen asetus sopii erityisen hyvin teksteihin, joita ei ole rakennettu strofeiksi, mutta joilla on pikemminkin proosan tai puhutun sanan luonne . Stroofisia runoja voidaan kuitenkin säveltää myös sisällön mukaan.

Lyric- asetukset ovat tyypillisiä ja ilmeisiä taidekappaleille. Mutta joskus esiintyy myös muita tekstiä perusasiat, kuten lehtileikkeitä on päiväkirja Yksi kadonneiden by Leos Janacek tai vain katkelmia runoja kuin Wolfgang Rihm n Hölderlinin fragmentteja . Kappaleita, joissa ei ole lainkaan sanoituksia, kutsutaan vokaliseiksi .

Taidekappaleita lauletaan kirjallisen kiinnityksen tai nuottien perusteella , kun taas kansanlaulut välitetään suullisesti. Siksi monien kansanlaulujen kirjoittajaa ei tunneta. On kuitenkin myös kansanlauluja, joiden kirjoittaja tunnetaan, minkä vuoksi kansanlaulut jaetaan ensisijaisiin (tekijä tunnetaan) ja toissijaisiin (tekijä tuntematon). Joskus kansanlaulu ja taidelaulu sulautuvat. Franz Schubertin kappale Der Lindenbaum hänen Winterreise- syklistään oli z. B. jonka mieskuorolle version mukaan Friedrich Silcher , joka yksinkertaisesti ohitetaan dramaattisen vähäisiä samentuma jakeessa, joka tunnetaan nimellä kansanlaulu Am Brunnen vor dem Tore . Guten Abend, gut 'Nacht , joka tunnetaan laajalti kansanlauluna, on alun perin säveltänyt Johannes Brahms . Vastaavasti säveltäjät kirjoittivat myös sovituksia ja pianon säestyksiä suosituille kansanlauluille. Antonín Dvořák , Johannes Brahms ja Robert Schumann ovat vain muutamia säveltäjiä, jotka pitivät kansanlaulujen tutkimusta tärkeänä tutkimuksen ja inspiraation lähteenä omalle teokselleen.

historia

keskiaika

Keskiajalta peräisin oleva ritari- minstrelien perinne on taidelaulun perusta. Minneongien kehityksen edellytykset olivat keskiaikaa hallitseva kristillinen maailmankuva ja siten kyky siirtää luonnolliset kokemukset kielellisesti hengelliseen, fantastiseen alueeseen, samoin kuin yksilöllisen persoonallisuuden käsite, jota tuolloin vain elivät aatelisluokan jäsenet voisivat olla edustettuina. Troubadours (Provence), Trouvères (Pohjois-Ranska) ja minnesingers (Saksa) sekä muut ritarit kaikkialla Euroopassa asettivat omat tekstinsä, enimmäkseen rakkauslauluja ja luonnon runoutta, aatelisten naisten kunniaksi. Lisäksi säveltiin ja soitettiin poliittisia ja sosiaalisia kappaleita, ylistys- ja pilkkaa, tanssilauluja ja muita teoksia.

Minstrelit esittivät luomuksiaan säveltäjän ja laulajan henkilökohtaisessa liitossa, useimmiten he seurasivat itseään luutulla . Muita tyypillisiä soittimia, joita muut muusikot soittivat säestykseksi, olivat viulu , säkkipilli tai shawm ; Harppua käytettiin myös sankari- ja palkintokappaleiden sisällön mukana.

Suullisesti esitetyn runouden lisäksi tekstit ja muutama melodia merkittiin myös kirjallisesti. Tärkein todiste kappaleen kehityksestä on edelleen laulun käsikirjoitukset, esim. B. Codex MANESSE The Jena laulun käsikirjoituksen ja Kolmar kappale käsikirjoituksen alkaen 14. ja 15-luvuilla. Saksassa kolmiosainen tankomuotoon joka koostuu Stollen, Stollen ja Abgesang tuli yksi laajimmalle levinneistä muodostu, laulu , ruumis tai sanomalla, että annatte.

Bernart de Ventadorn , Richard Löwenherz ja Blondel de Nesle , Wolfram von Eschenbach , Walther von der Vogelweide , Heinrich von Meißen ja Neidhart von Reuenthal on mainittava aikansa kuuluisina runolaislaulajina , joista osa osallistui laulajien taisteluun Wartburg vuonna 1207. Oswald von Wolkensteinia pidetään viimeisenä minstrelinä ennen musiikkielämän siirtymistä aristokraattisesta maailmasta keskiluokkaan 1200-luvulla.

Kaupungeissa tuolloin kansalaiset muodostivat voimakkaita yhteisöllisiä liittoutumia, kuten Hansaliiton, tai kehittivät tiukan perhesäännön, kuten Hansaliitto . B. Fuggerit ja kehittivät omaa taidettaan ja uusia ilmaisumuotoja. Kuitenkin, ajatus yksinlaulu säilyi uuden porvarillisen kulttuurin, ja sen jälkeen Minnelaulu porvarillista muodossa master laulua kehitetty .

Sen jälkeen, kun ensimmäiset laulajat olivat poissa ja melkein hämmentyneinä , laulun mestari organisoi itsensä kiinteisiin laulukouluihin, jotka perustettiin ensin Mainziin (1400-luvulla?), Augsburgiin (1449) ja Nürnbergiin (1450). Siihen liittyi ja säädettiin jatkuvasti kasvava määrä taiteellisia sääntöjä, jotka vaikeuttivat taiteellista kehitystä. Yksi tunnetuimmista Mastersingereistä on Hans Sachs , joka väittää säveltäneensä yli 4000 mestarikappaletta, mukaan lukien Silberweise , joka on minnesongin ja luterilaisen laulun välissä :

12-luvulta lähtien moniäänisyys on kehittynyt tapa saada useita ääniä soittamaan eri melodioita samanaikaisesti. Leoninus ja Perotinus loivat kaksi- ja kolmiosaiset sävellykset Notre-Dame de Paris -tapahtumassa , joka toimi mallina Ars antiqualle ja Ars novalle 1200- ja 1400-luvuilla. Näin kappaleesta tuli moniääninen ja muutti sen olemusta. Lauluääni tuli suhteessa musiikilliseen ympäristöön sovittamaan ylempään harmoniaan - kuoro-asetus luotiin. Soololaulu on usein takapenkillä, mutta ei katoa kokonaan.

Guillaume de Machaut , Guillaume Dufay ja Josquin des Prez kuuluvat myös tähän aikaan, jolloin kappale kehitti polyfoniansa, samoin kuin John Dunstable , Jacob Arcadelt ja muut. Kappaleita soolokappaleina sulautuvat syntyvän barokin, madrigalin , chansonin ja valehtelun musiikkimuotoihin on vaikea erottaa toisistaan ​​kaanonissa, instrumentaalisen säestyksen melodioissa ja moniäänisissä liikkeissä.

Barokki

Kun musiikki 17th century , variantti kenraalibasso kappaleen kehitetty , joka perustui Monodia peräisin Italiasta . Yläosa hallitsi harmonista tapahtumaa tärkeimpänä melodiana. Vain basso-osa tarjosi hänelle samanarvoisen vastineen, keskiäänet sulautuivat täyttäväksi harmoniaksi. Tällä jaolla oli perustava vaikutus laulun jatkokehitykseen, ja se säilyi 1800-luvulla ja 1900-luvun alussa. Ensimmäiset kappaleet notatoitiin melodiaksi ja bassoiksi, harmonisointi kirjoitettiin figuroiduksi bassoksi . Ensimmäiset kappaleet tässä uudessa tyylissä loi Giulio Caccini , joka julkaisi Le nuove musiche -kokoelmassa monia pieniä soololauluja, jotka yhdistivät sekä kunniankorvauksen että koloratuurin , italiaksi.

Heinrich Schütz otti tämän tyylin, mutta Saksassa oli edelleen moniäänisiä kappaleita kuin yksittäisiä lauluja. Hänen oppilaansa Heinrich Albert laittoi suuremman kokoelman molemmista musiikilliseen kurpitsahuoneeseensa (1641). Adam Krieger julkaisi vuonna 1657 teoksen yksinkertaisella otsikolla Arien , joka on kadonnut, mutta ollut merkittävä kappaleen kehitykselle Saksassa.

Kappaleet olivat usein säikeissä, ja ne suunniteltiin niin yksinkertaisiksi sävellyksiksi, että kaikkien pitäisi pystyä laulamaan mahdollisimman. Klavesiini otti säestyksen pianon edeltäjänä, ja keskiajalta peräisin oleva luuttu säestys väheni.

Johann Sebastian Bach kirjoitti joitain pyhiä lauluja Georg Christian Schemellin julkaisemaan laajaan evankelisen laulun kirjaan. Alun perin Bachille annettiin 12 sävellystä, mutta nykyään vain kolmea pidetään varmana. Näiden kappaleiden taiteellisen säestyksen ja huolellisen käsittelyn kautta ne erottuvat aikansa kappaleista ja ne voidaan melkein nähdä pieninä soololauluina hyvin keskittyneessä, yksinkertaisessa muodossa.

Monodyn kehitys jatkui myös Englannissa, jolla ei maantieteellisten olosuhteiden vuoksi ollut suurta vaikutusta aikansa eurooppalaiseen musiikkielämään. John Dowland , Thomas Morley ja Henry Purcell ovat barokin soololaulun tärkeimmät säveltäjät. Seuraava musiikin ja rakkauden ylistyslaulu on tullut meille jälkimmäisestä, joka on tunnettu esimerkki Purcellin melodiasta:

Klassinen

Aikana valistuksen , säveltäjät löytäneet oman laulun kouluissa ensimmäistä kertaa. Berliinissä, jota pidettiin valaistumisen keskuksena , asianajaja Christian Gottfried Krause , hovioikeuden asianajaja, kirjoitti Von der Musical Poesien , esteettisen musiikin teoreettisen tekstin, jota hän oli seurannut vuosina 1753 ja 1755 kahdella nidealla. ja kirjoittajana ja melodiat koostumukset alkaen Friedrich II: n tuomioistuin mukana - Johann Joachim Quantz , Carl Heinrich Graun ja Carl Philipp Emanuel Bach heidän joukossaan ja tästä eteenpäin ne muodostivat ensimmäisen Berliinin Song School . Krausen periaatteiden mukaan kappaleiden tulisi olla yksinkertaisia ​​ja suosittuja, ja niiden tulisi keskittyä enemmän melodiaan kuin pianosoitteluun, joka tulisi kirjoittaa vasta melodian luomisen jälkeen. Johann Abraham Peter Schulz laajensi sitä toteamalla, että tarvittavan luovuuden herättämiseen tarvitaan hyvä runollinen malli. Hänen laulunsa kansanäänellä vuosina 1782–1790 viittaavat selvästi yksinkertaisuuden ja luonnollisuuden estetiikkaan, jonka oletetaan herättävän tutun ulkonäön. Hänen asettaminen Matthias Claudius " Kuu on noussut tiedetään tänä päivänä .

CPE Bach kirjoittaa merkittäviä kappaleita ja esseitä, jotka ylittävät paljon Berliner Liederschule -ohjelman, koska he etsivät ensimmäistä kertaa sisäistä henkilökohtaista emotionaalista ilmaisua musiikista. Tekstit ovat kuitenkin sisällöltään enimmäkseen uskonnollisia: Christian Fürchtegott Gellertin teksteihin perustuvat hengelliset hajut ja laulut sekä musiikkiin soitetut psalmit palvelevat uskonnollista mietiskelyä ja itsetuntemusta kotimaassa. Ne levittivät nopeasti Saksassa ja edistivät siten merkittävästi kappalelajin suosimista. CPE Bachin kappaleita soitetaan harvoin konserttisaleissa nykyään, mutta ne tarjoavat sopivan tulkinnan Gellertin määrittelemistä sanoista, jotka pyrkivät tasapainoon musiikin ja runouden välillä.

Johann Adam Hiller , joka Thomaskantorina tunsi sakraalin musiikin yhtä hyvin kuin saksalaisen Singspielin , kirjoitti laulunsa ensisijaisesti lapsille. Hänen kappaleistaan ​​paljastuu vaikutteita oopperalaulusta, jota talonpojat, ihastuttavat luonnonlapset ja rinnat esiintyvät hänen Singspieleessä - jaloasukkaiset ihmiset ilmaisivat itsensä italialaisten vaikutteiden aareissa. Christian Gottlob Neefe kirjoitti Klopstockin ässät melodioilla vuonna 1776, jota seurasi vuosi myöhemmin laulamalla serenatoja pianolla , vuonna 1798 kuvilla ja unelmilla Johann Gottfried Herderin runojen perusteella . Hän aloittaa musiikillisesti luonnehtimalla yleisesti voimassa olevaa stanzan-muotoa runon sisällöstä riippuen luopumatta sen muodosta.

Myös wieniläisen klassikon kappaleissa huomataan yhä enemmän siellä suosittavan oopperan vaikutusta, joka vähitellen auttaa laajentamaan ja laajentamaan genreä. Christoph Rheineck , Johann Rudolph Zumsteeg , Johann Friedrich Reichardt , jotka loivat yli 1500 laulua ja käsittelivät laajasti musiikin ja sanojen tasapainoa, ja Carl Friedrich Zelter kuuluvat myös tähän aikakauteen ja loivat wieniläisen pianolaulun, Joseph Haydnin ja Wolfgang Amadeus Mozart siirtyi myöhemmin muuttumattomana. Haydn sävelsi 50 soololaulua musiikkiin, jotka sävelettiin alun perin vuosina 1781 ja 1783 ja julkaistiin kappaleina pianolle . Näissä kappaleissa hän laajensi pianon roolia tarvittavasta soittimesta instrumentiksi, joka pitää kappaleen sisäisen muodon yhdessä. Canzonettos seurasi Lontoossa tyypillisillä esiesityksillä ja epilogeilla. Hän kirjoitti myös laulun Gott get Franz Kaiser , jonka melodia on nyt perusta Saksan kansallislaululle.

Wolfgang Amadeus Mozart kirjoitti vain kolmekymmentä pientä satunnaista sävellystä kappaleen genreihin. Hänen elinaikanaan julkaistiin vain seitsemän. Koska eklektinen on eri tyylejä ja muotoja, hän ei noudata kiinteää esteettinen ohjelmaa. Hän aloitti pienillä säkeillä ( Daphne, sinun Rosenwangen KV 52 ja An die Freude KV 53, Geheime Liebe KV 150) ja myöhemmin loi kappaleita ja arietoja, jotka näyttävät pieniltä oopperakohtauksilta (esim. Ridente la calma KV 152, Oiseaux, si tous les ans KV 307, Dans un bois pasianssi KV 308, Das Veilchen KV 476, kun Luise poltti uskottoman rakastajansa KV 520 kirjeet ). Illalla tunne Laura KV 523 on yksi kuuluisimmista Mozartin kappaleita ja voi kuulla toistuvasti konserteissa.

Ludwig van Beethoven suuntautui alun perin kohti toista Berliinin Liederschulea, jonka perustivat Johann Abraham Peter Schulz , Johann Friedrich Reichardt ja Carl Friedrich Zelter , ja kirjoitti jaelmakappaleita ennen kuin hän jätti hyvästit sen vaatimuksista viimeistään Adelaide 1795/96 : lla ja etsi uusia ilmaisumuotoja. Yksittäisten kappaleiden, kuten Elegy villakoiran kuolemassa , Zärtliche Liebe ja Mephistos-kirppulaulu Goethen Faustista , An die ferne Geliebte antaa selkeän sysäyksen laulusyklin suuntaan ja antaa kappaleen ohikiitäville hetkille mahdollisuuden yhdistää suuremmaksi, yhtenäiseksi kuvaksi. Laulava ääni ja säestys ovat tasa-arvoisia, pianonsoiton motiivit muuttuvat lauluvaksi ja päinvastoin.

romantiikkaa

Saksalainen taide kappale suppeassa merkityksessä kehitetty musiikin 19. vuosisadan tärkeimpien edustajien Franz Schubert , Robert Schumann , Johannes Brahms ja Hugo Wolf .

Franz Schubert laajensi kappaleen käsitettä suuressa määrin. Mukana oleva piano vapautti itsensä laulajasta ja loi siten rikkaamman vastineen melodialle, musiikki sai merkityksen ja määritteli teoksen ilmeikkään sisällön. Tämä näkyy Erlkönigin dramaattisena kasvuna : kappale, joka onomatopoottisesti valtaa hevosen sorkat, jotka laukaavat kotona yöllä pianolla. Kappaleessa Gretchen am Spinnrade Schubert saa vain kuulokkeen kuulumaan pianopyörässä aluksi tasaisen pyörivän pyörityksen. Teksti palaa Johann Wolfgang von Goethen Faustiin . Schubertilla oli myös rohkeutta lähettää asetelmansa Goethelle, joka ei kuitenkaan ollut kovin vaikuttunut Schubertin uudesta tyylistä - hänen mielestään teksti ei enää olisi etualalla. Siksi hän piti parempana Carl Friedrich Zelterin yksinkertaisempia asetuksia. Tämä ei heikentänyt Schubertin kasvavaa suosiota.

Hänen kaksi suurta laulusarjoihin Kaunis Miller (1823) ja Winterreise (1827) ja teksteihin Wilhelm Müller ovat kohokohtia kappaleen kirjallisuuden ja koetinkivi jokaisen miehen esiintyjille, vaikka suuri laulajat kuten Christa Ludwig , Brigitte Fassbaender tai Christine Schäfer Winterreise lueteltu. Schubert teki myös pianolaulun tyylilajin mukana tulevalla sooloinstrumentilla. Shepherd on the Rock on sittemmin tullut sopraanon, klarinetin ja pianon vakiotyöksi . Postuumisti julkaistu Schwanengesang sisältää kappaleita Schubertin viimeisestä luovan ajanjaksosta. Hänen kappaleita niin tunnettu, että se saksan sanasta kappale on otettu muilla kielillä ( ranskaksi : le laulu , jota käytetään Ranskassa vuodesta 1830, vuonna 1868 käyttöön Édouard SCHURE Ranskan sanastoa. Englanti : laulu , 1876 ensimmäisen aika Englannissa leksikaalisesti todistettu). Tämä kuvaa erityisesti saksalaistyylistä taidekappaletta.

Carl Loewe on mainittava säveltäjänä Schubertin rinnalla, joka loi myös oopperoita, oratorioita ja kamarimusiikkia. Tähän päivään asti hänen balladinsa ovat kiitollisia musiikillis-dramaattisia tarinoita laulajalle: Edward , joka käsittelee aristokratiaa aristokraattisissa piireissä, Erlkönig samassa tekstissä kuin Schubert ja melko sen kanssa, herra Oluf , joka on käsitellä petollisen kaunis tonttuja tai kalastaja jolle merenneito vetää alas hänen valtakunta, ja Archibald Douglasin jälkeen Theodor Fontane tuoda elämään kohtauksia ja tapahtumia, jotka ylittävät hetkellinen kuvausta hetki. Loewen balladit antavat käsityksen saagojen ja legendojen myyttisestä maailmasta poistumatta taiteellisesti muodostetusta kehyksestä. Siksi ne ovat pidempiä ja monimutkaisempia kuin tavalliset taidekappaleet, ja ne voivat kestää jopa viisitoista minuuttia, mutta yhtäkään sanaa ei voida poistaa muuttamatta kertomuksen dramaattista rakennetta.

Robert Schumann luotu lisäksi lukuisia kappaleita, jotka olivat tiiviisti koostuu kirjallisuuden alkuperäinen, suuret syklit Runoilijan rakkaus op. 48 ja naiset rakastavat ja elämää , Op. 42. Hänen laulusarjassa op. 39 runoihin Joseph von Eichendorff on vain kuten myrtti op. 25, kokoelma kappaleita, jotka eivät liity suoraan sisältöön. Schumann pitää erittäin tärkeänä sävellystensä korkealaatuisia malleja, ilman hyvää runoa hänelle ei voi syntyä mitään hyvää laulua. Totuudenmukaisuudesta, tunteen aitoudesta ilman keinotekoisesti tyyliteltyjä vaikutteita tulee myös esteettinen ihanne hänelle. Lyyrisen, intiimin ilmaisun lisääntyminen voidaan tunnistaa Schumannin kappaleista, jotka voidaan kuulla erityisesti hänen erilaistetuissa pianon preludeissaan ja uudelleenlavoituksissaan. Pianosta tulee itsenäinen, tasa-arvoinen kumppani: se korostaa ja kommentoi ääniviivaa, ironisoi edellisen rakkauden julistuksen, luo tunnelmia ja tunnelmaa. Tunnetuimpia yksittäisiä luomuksia upeiden laulusyklien ohella ovat muun muassa The Lotos Flower , The Two Grenadiers , Belshazzar ja Folk Song . Clara Schumann sävelsi paljon vähemmän kuin hänen miehensä. Hänen loistava pianonsoiton muodosti perustan hänen laulujen, joka sisälsi esimerkiksi kappaleet You rakastivat toisiaan , Am Strande ja Lorelei . Vuodesta 1853 lähtien hän keskittyi miehensä musiikin levittämiseen ja lastensa tukemiseen, kun taas Robert Schumann oli Endeichin mielisairaalassa.

Felix Mendelssohn Bartholdyn ja hänen sisarensa Fanny Mendelssohnin kappaleet putoavat samanaikaisesti ; molemmat saivat oppitunteja Carl Friedrich Zelteriltä . Yksi Felixin tunnetuimmista melodioista on Auf Flügeln des Gesangs , joka voidaan nähdä esimerkkinä Zelterin sävellystyylin yksinkertaisuudesta kappaleessa. Fanny Mendelssohn tunnustettiin säveltäjäksi vasta 1900-luvun lopulla, etenkin koska hänen kappaleitaan oli vaikea julkaista - vain murto-osa hänen 200 sävellyksestään ilmestyi painettuna hänen elinaikanaan. Hänen teoksiaan ovat Liederkreis vuodelta 1829 ("Fannyn 6 kappaletta Felixille") ja joukko rinnakkaisia ​​asetuksia, jotka perustuvat Wilhelm Müllerin , Goethen ja Heinrich Heinen teksteihin .

Johannes Brahms rikasti syklin muotoa Kauniilla Magelonella , Gypsy Songsilla ja Love Song Walszeilla ja kirjoitti myös suuren määrän yksittäisiä kappaleita, joista May Night on pimeällä ja surkealla tunnelmallaan yksi tunnetuimmista. . Myös Brahmsin kanssa huolta kansanlaulusta on tärkeä lähde hänen työstään, mikä heijastuu valittujen kansanlaulujen taiteellisissa pianosäestyksissä ja uudestaan ​​ja uudestaan ​​kansanlauluun läheisellä sävyllä, mutta vain harvoin muodossa . Elämänsä myöhempinä vuosina sävelletyt Neljä vakavaa kappaletta op. 121 bassoa ja pianoa käsittelevät lähestyvää kuolemaa.

Hugo Wolf sävelsi vahvasti tekstin perusteella. Alun perin kiihkeä Wagnerian, hän yritti elämäänsä sopeutumattomana itseopiskelijana heittää suuren epäjumalansa varjon ja luoda jotain itsenäistä. Yksi hänen säveltämistapoistaan ​​oli lausua runo peräkkäin, kunnes hän paitsi tunsi sanat sydämestä, mutta tunsi kielen rytmin ja merkityksen itse ja kuuli sen sanoista. Tämä huolta runollisesta mallista tulee selvästi esiin hänen kappaleissaan. Hän kutsui heitä myös runoksi äänelle ja pianolle . Vuonna 1888 hänellä oli läpimurto Mörike-kappaleillaan . Espanjan laulukirja ja italialaisen laulukirja kuuluu teoksissaan sekä lukuisia yksittäisiä luomuksia. Susi-kappaleiden esittäminen vaatii suurta älykkyyttä ja empatiaa, koska ääni ja pianosäestys, kuten musiikki, ovat runouden palveluksessa .

Kun artikkeli on popularisoitu julkisella konserttialustalla ja sinfoninen musiikki ja ooppera laajentuvat samanaikaisesti, pian luotiin kappaleita ja laulusyklejä orkesterin säestyksellä. Niitä kutsutaan orkesterikappaleiksi , mukaan lukien: B. Gustav Mahlerin Das Lied von der Erde , The Kindertotenlieder ja lauluja matkakumppani . Tähän ryhmään kuuluu myös joitain Richard Straussin kappaleita ja Alexander von Zemlinskyn Lyric Symphony . Tärkeitä myöhäisromanttisten kappaleiden luojia olivat Richard Strauss, Hans Pfitzner , Max Reger , Alma Mahler , Erich Wolfgang Korngold , Richard Wetz , Joseph Haas ja Othmar Schoeck .

Vaatimukset lauluäänen kantokyvylle olivat nousseet esiin jo romanttisella aikakaudella orkesterin laajentumisen myötä, nyt kappaleet on myös sovitettu laulajien mahdollisuuksiin ja niiden vaikeusaste on nostettu uudelleen. Laulualuetta laajennettiin, sävellyksen monimutkaisuus lisääntyi, joten jotkut kappaleet vaativat yhtä paljon laulutaitoa kuin vaikea oopperaaria. Richard Strauss kirjoitti kappaleen Amor äänelle seuraavan loppuosan :

Erillinen taidelaulun perinne syntyi Ranskassa Charles Baudelairen , Stéphane Mallarmén , Arthur Rimbaudin tai Paul Éluardin runojen perusteella , usein puhutun runon liioitteluna. Tällaiset sävellykset oli tarkoitettu hyväpalkkaisiin pariisilaisiin salonkeihin , kun taas rinnakkainen romanssi oli suunnattu suuremmalle yleisölle. Hän löysi tunnetuimmat säveltäjänsä mm. B. Gabriel Fauré , Jules Massenet , Reynaldo Hahn , Claude Debussy , Maurice Ravel , Francis Poulenc , Ernest Chausson , Lili Boulanger ja muut. Käsitellessään saksalaista romantiikkaa, erityisesti Richard Wagnerin kanssa , ranskalainen fin de siècle -musiikki löysi uusia ilmaisumuotoja. Lauluissaan Debussy vältteli myöhäisen saksalaisen romantiikan sävyisyyttä, suuntautui selkeästi sanaan ja kirjoitti filigraanisia harmonisia rakenteita selkeän laulu melodian ympärille, joka yritti valaista kaikki tekstin vivahteet.

Italiassa tunnetuimmat säveltäjät kirjoittivat sekä suurille oopperalavoille että pienemmille yhtyeille. Gioachino Rossini kirjoitti Serate musicalin (Soirées musicales) äänelle ja pianolle Pariisin oopperateoksensa jälkeen. Myös Vincenzo Bellini , Gaetano Donizetti ja Giuseppe Verdi kirjoittivat erilaisia ​​sävellyksiä nykyään Saksassa tunnetussa laulumuodossa vain vähän. Erityisesti Verdin kappaleille on ominaista hahmokuvaukset ja pienet kohtaukset, jotka ovat tyypillisiä myös hänen oopperoilleen, mutta eivät ulotu suurempaan dramaattiseen kaareen yksittäisten kappaleiden yli. Italialaiset romanttiset kappaleet ovat velkaa melodian ensisijaisuudesta ja bel canton hengestä ; he elävät enemmän esityksen voimakkuudesta tai kuohuviiniosasta, viljellystä legatosta ja taitavasta muotoilusta kuin monimutkaisista harmonisista rakenteista.

Puolaa ja nykyistä Tšekkiä edustavat seuraavat säveltäjät romanttis-nationalistisesta näkökulmasta: Frédéric Chopinin kappaleet on suunniteltu lähelle kansanlauluja ja paljastavat siksi tarkoituksella vähän hänen pianistisesta hienostuneisuudestaan. Yli 300 kappaleen säveltänyt Stanisław Moniuszko unohdettiin väärin konserttilavalle. Bedřich Smetana ja Antonín Dvořák esiintyvät enemmän slaavilaisilla näyttämöillä kuin Saksassa, vaikka heidän laulujaan on myös saatavana lukuisina käännöksinä. Molemmat yrittivät kirjoittaa mahdollisimman lähellä ihmisiä, jotta etäisyyteen Itävallan hegemonisesta voimasta ja sen kulttuurista. Opittuaan Prahassa, Leipzigissä ja Wienissä Leoš Janáček työskenteli vuosikymmeniä Brnossa, jossa hän pystyi kypsyttämään oman musiikkikielensä rauhassa. Zápisnik zmizehélo ( Kadonneen henkilön päiväkirja ) tenorille, altolle ja kolmelle naisäänelle luotiin runoista, jotka hän löysi Brnon sanomalehdestä. He kertovat tarinan moravilaisesta maatilapojasta, joka rakastui mustatyttöön ja katosi hänen kanssaan, koska hän odotti lasta. Janáček muodosti tästä kappalesyklin 21 kappaleella, jotka Max Brod käänsi synnynnäisesti saksaksi. Brod sävelsi myös useita kappaleita, joista 126. psalmi oli hänelle erityisen tärkeä.

Venäjällä Pjotr ​​Ilyich Tšaikovski , Sergei Rachmaninov , Michail Glinka ja Modest Mussorgsky kirjoittivat tänään tunnetuimmat romanttiset venäläiset kappaleet. Pitkien lyyristen linjojen ja ilmeikkäiden laulujen lisäksi ne näyttävät vahvimmat ominaisuutensa melankolian, unen ja paatoksen läheisyydessä. Skandinavian alueella yli 700 kappaleen säveltänyt Edvard Grieg , Jean Sibelius , Hugo Alfvén ja Yrjö Kilpinen käsittelivät kappaleen genrejä.

20. vuosisata

Saksassa ensimmäisen maailmansodan ja toisen maailmansodan välistä aikaa , vuosia 1918-1933, leimasivat Saksan korvaukset Ranskalle ensimmäisen maailmansodan jälkeen , maailmanlaajuinen talouskriisi ja korkea työttömyys kaupungeissa. Lyhyen ajan kuluttua teatterit, orkesterit ja muut järjestäjät tarjosivat taas oopperoita ja konsertteja. Johdanto-osan kappaleet olivat selviytyneet sodasta johtuvasta kriisistä, ja niiden merkitys jopa kasvoi suhteellisen alhaisen organisatorisen työnsä vuoksi. Radio ja levyt muuttivat aiemmin paikallisesti vietettyjä laulajia halutuiksi solisteiksi kaikkialla Saksassa. Yhtenäistä musiikkityyliä ei enää voida jäljittää kappaleissa. Wandervogel liike oli etsimässä romanttinen ihanteita ja luontoelämyksiä vaihtoehtona kaupungin elämää ja keinotekoinen taiteen laulun. Hän tiivisti kansanlaulut ja yhteislaulut , jotka laulettiin hyvässä seurassa, kynitty viulu hansl . Wilhelmine-imperiumin ihanteet kyseenalaistettiin radikaalisti ensimmäisen maailmansodan jälkeen, ja ne antoivat tilaa kokeellisille taidemuotoille tavanomaisen laulun ulkopuolella. Dadaismi of Hugo Ball , Kurt Schwitters ja Ernst Jandl hajonnut sanat runon totaalisesti. Tämä vaikutti Erwin Schulhoffiin , joka selittää viidellä laululla pianolla, op. 32:

Lisäksi Venäjällä vuonna 1917 aloitettu työväenliike alkoi vaikuttaa taidelauluun uudella, yksinkertaisella työväenlauluillaan - tuloksena oli "laulu", joka tuomitsi porvarilliset yhteiskunnalliset valitukset. Amerikkalaisen jazzin , elokuvan ja hittien elementit löysivät kaikuaan näissä sävellyksissä, jotka olivat usein hyödyllistä, laajalle yleisölle sopivaa musiikkia ja joita oli helppo laulaa. Hanns Eisler ja Kurt Weill pukeutuneet Bertolt Brechtin sosiaalisesti kriittiset sanat musiikin, Stefan Wolpe tietoisesti vaikuttanut elitistinen lyyrinen malleja kappaleita kanssa kolme kappaletta perustuvat runoihin Erich Kästner , kuten puheen tarjoilijatar ja kirjeen neito nimeltä Amalie on törmätä ulos. Näille teoksille sopiva esitystyyli kehittyi Diseusen raakassa, parlaattilaulussa .

Säveltäjät, jotka yrittivät säilyttää avantgardistisen identiteettinsä tässä ympäristössä, joutuivat usein vetäytymään yksityiselämään. Vuonna 1918 Arnold Schönberg ehdotti yksityisten musiikkiesitysten yhteenliittymän perustamista , jossa asiantuntijoiden ja asiantuntijoiden tulisi vaihtaa tietoja taiteen uusimmista aiheista. Myöhemmin siitä tuli Kansainvälinen uuden musiikin yhdistys, joka toimii edelleen nykyään .

Schönbergin tunnetuimmat panokset laulusyklin muotoon ovat Pierrot lunaire op. 21 vuodelta 1912 puhuttua laulua varten - jonka ei koskaan sallittu muistuttavan laulamista - ja kamariyhtye sekä The Roikkuvien puutarhojen kirja op.15 . tekstit: Stefan George . Tie luotiin laajentamaan ihmisäänen ilmaisumahdollisuuksia laulamisen ja puhumisen välillä. Myös olemassa olevaa äänimateriaalia käsiteltiin samalla kokeellisella tavalla. Myöhäisen romantiikan, atonaalisuuden ja kaksisävyisen musiikin välillä jokaisen säveltäjän oli löydettävä oma tiensä Schönbergin henkisessä ympäristössä. Näin tehdessään Schönberg vältteli ehdottomasti kaikkea, mikä muistutti kolmikoita ja tavanomaisia, vanhentuneita melodioita ja harmonioita. Henkiset hätätilat ja sosiaaliset ahdistukset asetettiin paperille estetiikassa, mikä vaati vastaavaa, voimakasta ilmaisuvoimaa.

Hänen oppilaansa op. 12 oppilas Anton Webern vapautti sointu ennalta määrätyistä äänikonteksteista ja keskittyi yksittäiseen nuottiin, joka oli irrotettuna harmonisesta kehyksestä. Temaattisesti henkiset ajatukset tulevat esiin Webernin työssä, joka on yhä läpinäkyvämpi ja jäsennelty.

Paul Hindemith asetti vastakohdan kaksisuuntaiselle musiikille osoittamalla teoksellaan Sävellysohjeet , että kolmannella oli ollut erityinen rooli harmoniassa myöhään keskiajalta lähtien, ja ehdotti vaihtoehtona muinaista aikavälien teoriaa. Sen sijaan, että vältettäisiin kaikkia kolminaisuuksia, kuten Schoenberg, ja rakennettaisiin pieniin sekunteihin ja suuriin seitsemänteen, Hindemith pitää parempana viidesosaa ja neljäsosaa harmonian kantajana, mikä toisin kuin tritoneja sisältävät intervallit eivät enää vaadi mitään resoluutiota. Hänen sykli Das Marienleben, joka perustuu Rainer Maria Rilken teksteihin, kertoo raamatullisen Marian tarinan.

1930-luvulla alkaneella kansallissosialismilla oli oltava kauaskantoinen vaikutus Saksan musiikkiin. Yksilöllinen, henkilökohtainen taiteellinen ilmaisu ei enää ollut kysynnän mukaisessa puolueoperaatiossa. Progressiivinen, kunnianhimoinen, utopistinen-fantastinen tai jazzin vaikutteilla varustettu musiikki tukahdutettiin, taiteesta ja kulttuurista tuli puolue-poliittisen propagandan instrumentti Joseph Goebbelsin johdolla . Ainoastaan ​​puolueelle uskolliset professorit ja opettajat pääsivät musiikkikasvatuksen valvontakeskuksiin, ja juutalaiset syntyperät keskeytettiin työstä ilman erillistä ilmoitusta. Kaikkea, mitä Saksassa tapahtui kulttuurisesti, seurasi Reichin kulttuurikamarin päätöslauselmat , jonka puheenjohtajuutta käytti Richard Strauss Paul Graenerin neuvosta , joka toimi tässä tehtävässä hänen jälkeensä. NSDAP: n ideologiaa vastaan ristiriidassa olevia säveltäjiä syrjittiin julkisesti rappeutuneen musiikin säveltäjinä , heiltä kiellettiin esiintyminen, vainottiin ja, jos he olivat juutalaista alkuperää, vietiin Tšekin tasavallan Terezínin kaltaisiin keskitysleireihin , jos he eivät pystyneet pakenemaan etukäteen. Näitä olivat Erwin Schulhoff , Viktor Ullmann , Hans Krása , Gideon Klein , Pavel Haas , Zikmund Schul , Edwin Geist ja muut.

Taitelaulun lisääntynyt herkkyys vaikutti kansallissosialistien ideologiaan "super-individualismin" tavoin, ja se oli tarkoitus korvata suurelta osin "sosiaalisen yhteislaulun" muodolla. Zupfgeigenhansl on Wandervogel liikkumisvapaudet tarpeeksi materiaalia täällä. Lisäksi Goebbelsin mukaan kappaleiden tulisi olla "kauniita" ja "ei-sentimentaalisia-tosiasiallisia"; epäilyjen ilmaiseminen, kritiikki ja skeptisyys olivat epätoivottuja tarvittavan "voittomentaliteetin" edistämiseksi.

Juutalaisten puolisoiden tai liberaalisti ajattelevien taiteilijoiden säveltäjät kieltäytyivät ottamasta haltuunsa ylivoimaista kulttuuria. Karl Amadeus Hartmann , joka oli jo kielletty työskentelemästä muiden edistyksellisten kappaletta, kirjoitti anthemic laulusarja Lamento (1936/37), jossa viitataan syklin Friede Anno 48 sopraanolle, kuorolle ja pianolle , ulos protestina . Jopa Walter Braunfelsiltä evättiin lääketieteellinen lupa juutalaisen alkuperänsä vuoksi. Die Vögel- ja Te Deum -oopperan lisäksi on vielä hänen lauluaan, joita tuskin tunnetaan nykyään, mutta jotka lupaavat kannattavan uudelleen löytämisen: kolme kiinalaista kappaletta korkealle äänelle ja orkesterille, Auf ein Soldiergrab baritonille ja orkesterille, romanttiset laulut ja Von der Love makea ja katkera hedelmä sopraanolle ja orkesterille, Johann Wolfgang von Goethen , Friedrich Hölderlinin , Hermann Hessenin ja muiden runoilijoiden kappaleet on säilynyt muiden sävellysten ohella.

Boris Blacherilla , Günter Raphaelilla , Hanning Schröderillä , Hans Erich Apostelilla ja Hanns Eislerillä oli samanlainen kokemus . Adolf Schönberg ja Kurt Weill, kuten Franz Schreker , Paul Dessau , Alexander Zemlinsky , Paul Hindemith , Erich Wolfgang Korngold , Ernst Krenek ja monet muut taiteilijat, pakotettiin muuttamaan Yhdysvaltoihin.

Ranskassa, reaktiona myllerryksessä Ensimmäisen maailmansodan Groupe des Kuusi kanssa Louis Durey , Arthur Honegger , Darius Milhaud , Germaine Tailleferre , Georges Auric ja Francis Poulencin perustettiin . Viitaten Igor Stravinskyyn he loivat tuottavan jännityskentän tonaalisuuden ja kevyen musiikin välille. Jopa Erik Satie työskenteli kauhistuttavasti kauhistuttavasti yksinomaan muusikkona ja johti absurdia musiikkiaikaan. Groupe des Kuuden jälkeen rakennetut kollektiivinen konsertin hankkeita ( Les mariés de la Tour Eiffel , 1921) aikana sen olemassaolosta johtuen eri ominaisuuksia sen jäsenistä.

Samanaikaisesti La jeune France -ryhmä koostui säveltäjistä, jotka hylkäsivät kuuden kevytmielisen estetiikan ja kannattivat musiikin uutta vakavuutta. Näihin kuului Albert Roussel , Charles Koechlin , Maurice Delage , Jacques Ibert ja Olivier Messiaen . Hänen kappaleistaan, joille hän kirjoitti suurelta osin sanoitukset, huomionarvoisia ovat kolme sykliä dramaattiselle sopraanolle ja orkesterille: Poèmes pour Mi , joka on omistettu hänen ensimmäiselle vaimolleen, jonka lempinimi esiintyy otsikossa; Chants de terre et de ciel (1938) ja Harawi (1945), joka kaksitoista lauluja kestää yli tunnin menee hyvin kuulu kappaleen aikana. Teksti koostuu fantasiakielestä, joka perustuu Etelä-Amerikan Andien kansojen, ketšuan ja ranskalaisten vihjeisiin, ja päättyy näkemykseen esisivilisoituneista ihmisistä, jotka eivät ole vielä vieraantuneita itsestään.

Edward Elgar , joka loi kummittelee työtä Alto ja suurelle orkesterille kanssa Sea Kuvat (1897/99), ja Ralph Vaughan Williams , jonka lauluja Travel ovat laajamittaisen piano sykli perustuu runoihin Robert Louis Stevenson, ovat muun hänen suuri laulu kamarimusiikki toimii Isossa-Britanniassa . Sen vieressä on Benjamin Britten nimittämään erittäin monipuolisen säveltäjän ja kansanlaulun sovittelijan. Hän kirjoitti monet kappaleistaan ​​englantilaiselle tenorille Peter Pearsille , mutta Kathleen Ferrier , Dietrich Fischer-Dieskau ja Galina Wischnewskaja antoivat hänelle myös inspiraatiota. Tällä saarella op.11 , Cabaret Songs , Les Illuminations ja Seitsemän Sonnets Michelangelon , joka Britten kirjoittama päärynät ja Pyhä Sonnets John Donne op.35 tässä mainitaan. Jälkimmäinen luotiin vuonna 1945 yhteisen kiertueen jälkeen Yehudi Menuhinin kanssa vapautettujen keskitysleirien kautta Saksassa.

Venäjä oli vaikeaa ympäristöä säveltäjille stalinismin poliittisen tilanteen takia . Igor Stravinsky asui Pariisissa tai Sveitsissä vuosina 1910–1939 ja toisen maailmansodan alusta myös USA: ssa. Vaikka hänen uraauurtavat balettinsa voivat silti olla varmoja maailman maineesta, tämä ei päde yhtä lailla hänen laulunkirjoituksiinsa. Vaikka hän oli alun perin edelleen kiintynyt myöhään romanttiseen tonaaliseen kieleen, hänen oma tonaalinen kielensä ilmoitettiin hänen lastenkirjoissaan vuonna 1906. Trois Histoires pour enfants (1920) käsittelevät erilaisia eläimiä. Pribautki vuodelta 1914 käsittelee Dadan hölynpölyjakeet ja käsittelee ne miesääneksi ja kamariyhtyeeksi. Deux Poèmes Paul Verlainen basso- ja piano- runoista ja Trois Poésies de la lyrique japonaise sopraanolle ja kamariyhdistykselle tai pianolle esitetään harvoin, mutta kannattavia lisäyksiä konserttiohjelmaan. Jopa Dmitri Šostakovich , jonka sävellyksiä on luettava enemmän kerroksia, tunnetaan paremmin orkesteriteoksistaan ​​ja lukuisista kappaleistaan, joista Michelangelo Buonarrotin , Op. 145 runosarja on olemassa myös orkesteriversiossa bassoa ja pianoa varten. Shostakovich, joka kirjoitti syklin vakavasti sairaana vuonna 1974, kutsui sitä kerran leikillään "16. Sinfonia". Säveltäjä käsitteli lukuisia motivoivia viittauksia muuhun teokseensa. Ensimmäisen Totuus- runon piano-esittely otetaan uudelleen esiin viimeisessä, Kuolema . Välillä aiheet käsittelevät rakkautta, epäilyjä oikeudenmukaisuudesta ja filosofista maailmankatsomusta.

Espanjassa Isaac Albéniz , Enrique Granados ja Joaquín Turina kehittivät huomattavan itsenäisen sävyn ranskalaisen impressionismin ja andalusialaisten kansansävelmien sekoituksen kautta, mikä havaittiin yhä enemmän etenkin ulkomailla.

"Rajoittamattomien mahdollisuuksien maana" USA tarjosi aluksi etun, että eurooppalaisia ​​perinteitä voitaisiin käsitellä hieman rennommalla tavalla. Yhteys Eurooppaan pysyi kuitenkin tärkeänä osana kulttuurikasvatusta. Monet amerikkalaiset säveltäjät, kuten B. Virgil Thomson ja Aaron Copland otti opikseen Nadia Boulanger Pariisissa. Yksi tärkeimmistä amerikkalaisista säveltäjistä on Charles Ives , joka julkaisi hämmentävällä tyylillä 114 kappaletta yhteensä 150 : stä ja muodostaa riittävän kuvan uuden maailman yhtä moniarvoisesta populaatiorakenteesta. Samuel Barber , Gian Carlo Menotti , Edgar Varèse ja Georges Antheil on myös mainittava johtavina amerikkalaisina säveltäjinä; Amy Marcy Beach ja Ruth Crawford Seeger edustavat säveltäjiä, jotka esiintyvät yhä enemmän julkisesti tänään.

Saksa vuoden 1945 jälkeen

Kolmannen valtakunnan romahtamisen ja Saksan jakautumisen jälkeen Saksassa säilyi syvä surun, pettymyksen ja epävarmuuden tunne. Yhteisesti koettu trauma näkyy saksalaisten säveltäjien sävellyksessä 1960-luvulle asti . Samanaikaisesti yleinen laulaminen katosi musiikkitunneilta saksalaisissa kouluissa, "yhteislaulu" koki haluttomuuden palata Saksan liittotasavaltaan , kun taas Saksan demokraattisessa tasavallassa yhteisten tienraivaajalaulujen laulamista käytettiin edelleen propagandatyökalu. Johtohahmojen Anton Webernin ja Béla Bartók kuoli vuonna 1945. Useimmat karkotetut säveltäjät kieltäytyivät palaamasta Saksaan ja Itävaltaan. Siksi Wolfgang Fortner ja Hermann Heiss kutsuivat uuden säveltäjäsukupolven ilmaisemaan itseään kansainvälisen musiikin kesäkursseilla ja kokeilemaan aiemmin kiellettyä. Siellä kuultiin Hindemithin, Stravinskyn, Bartókin ja Krenekin teoksia sekä järjestäjien teoksia. Schönbergin ripustettujen puutarhojen kirja vaikutti signaaleilla kursseihin, ja ihmiset alkoivat käsitellä häntä ja hänen seuraajiaan ja erityisesti käytettyä sävellystekniikkaa. Hindemithin estetiikan seuraajien kanssa syntyi skolastisia argumentteja.

Bernd Alois Zimmermann oli yksi ensimmäisistä lomakurssien edunsaajista . Jopa Hans Werner Henze osallistui kesäkouluun ja kirjoitti taivaallisen kuoleman kuiskauksilla korkealle äänelle sävelletyn kahdentoista sävyn tekniikan teoksen, jonka Cinque canzoni neapoletani ratkaisi baritonille ja pianolle vuonna 1957 Darmstadtin yhä dogmaattisemmasta henkisestä ilmapiiristä.

Mauricio Kagel yhdisti yleisön epävarmuuden halun, joka johtui vuoden 1968 liikkeen hengestä , ironiaan ja vieraantumiseen. Hänen ”Liederoper” Saksasta (1977/80) perustuu Franz Lisztin lainaus että jokainen laulu on pohjimmiltaan pieni ooppera. Hän järjestää 27 "elävää kuvaa" ja antaa Franz Schubertin esiintyä henkilökohtaisesti Moritz von Schwindin , Caspar David Friedrichin ja Johann Heinrich Füsslin kanssa . Hän käsittelee yli 70 sanoitusta "ärsyttävän tutulla" tavalla. Teos on julistus rakkaudesta itse romanttiseen kappaleeseen, mutta samalla parodia .

György Ligeti kirjoitti kappaletta hänen Aventures (1962/63) ja Nouvelles Aventures (1962/65), joka on kolme laulajaa ja seitsemän instrumentalisteja näyttävät myös olla ulkona genren kappaleita ja jotka säveltäjä antoi otsikon mimodramas . Oudoissa pienissä kohtauksissa käytetään vain katkelmia kielestä, "kuvitteellinen näyttämöpiirros" on syntymässä. Laulajat - klassista laulua tuskin käytetään - hengittivät, huusivat, huokaisivat ja sihisivät. Äänikappaleet ja nykyaikainen yhtye, jossa on vähintään kaksi muusikkoa, korvasivat pianoduo; teokset äänelle ja pianolle tai jopa äänisoololle, esim. B. Luciano Berion seuraus III . Luigi Nonon opiskelija Helmut Lachenmann sävelsi äskettäin Got lost ääniä ja pianoa varten temA : n mukaan äänelle, huilulle ja viulukellolle , joka on myös genren piirien ulkopuolella ja jonka esitysaika on noin 30 minuuttia. Lachenmann osoittaa, kuinka vaikeaa on ylläpitää protestoivaa, järkyttävää ja sopimatonta elettä, jonka hän kirjoitti temA: han kieltääkseen kaikki tunnetut laulun perinteet:

Näillä sävellyksillä on yhteistä se, että ne eivät vain yritä kuulostaa äänen rajoja, vaan myös löytää uusia ilmaisumuotoja, jotka poikkeavat melodisesta lauluestetiikasta, työskentelevät taukojen, kitkan, ennakoimattomien ja ilmaisumahdollisuuksien kanssa. ihmisen ääni klassisen bel canton ulkopuolella - tekniikka tutkii. Dieter Schnebel otti tämän prosessin äärimmäisyyksiin käyttämällä Maulwerkeään kaikkia äänien tuottamiseen liittyviä elimiä erikseen: kielen heilautukset ja huulten pelaaminen sekä kurkunpään jännitys ja gargarirullat eivät enää ole tarkoitettu tuottamaan ihmisille ymmärrettäviä ääniä. Vuonna Milko Kelemen vuonna ovat seitsemän vitsausta , ohjeita "Oksennus", "hikka" ja "viheltäen kuin lintu."

Elektronisen musiikin ja uusia mahdollisuuksia äänentoiston myös astui voimaan koostumukset 50s. Karlheinz Stockhausen osoittaneet mahdollisuudet tämän ”uuden välineen” kanssa laulu nuorten miesten uunilla (1955) nauha. Stockhausen jakoi aiemmin lauletun melodian pieniksi osiksi äänitysstudiossa ja vieroitti ne elektronisilla generaattorin äänillä. Nuorten ensi-iltansa jälkeen uunissa elektroniset äänet on sisällytetty nykyaikaisiin sävellyksiin yhä uudelleen.

Näiden kokeiden jälkeen, joista Clemens Kühn kirjoitti saksalaisessa Musica- lehdessä Musica vuonna 1981, että kappale oli "käytännöllisesti katsoen kuollut", kävi ilmi, että monet mahdollisuudet säveltää säveltäjät olivat käyttäneet loppuun. Dekonstruktioaalto laski 1970-luvulla, ja 1980-luvulla sisältö oli jälleen kysyttyä, mikä löytyi korkealaatuisista runoista. Tässä otti tärkeän roolin Hans Werner Henze , Wolfgang Rihm ja Aribert Reimann .

Henzen ensimmäisiä kappaleita Darmstadtin kesäkurssien vaikutuksesta seurasivat yökappaleita ja aariaa sopraanolle ja orkesterille sekä kamarimusiikkia (1958) tenorille ja pienelle yhtyeelle. Being beauteous (1963) varten koloratuurisopraanolle, harppu ja neljä Sellot seuraa poliittisesti aktiivinen kappaletta, kuten El Cimarron , joka kertoo tarinan karannut orja Esteban Montejo. Tulkit improvisoivat myös teoksen tekijöinä. Tämän vaiheen jälkeen Henze palasi apoliittiseen Musica-puraan , joka löysi uuden muodonsa kolme Auden-kappaletta tenorille ja pianolle (1983) Winston Hugh Audenin teksteihin perustuen ja ennen kaikkea Six Chants from Arabic (1997/98).

Aribert Reimann varttui laulajan ja kirkkomuusikon poikana. Hän sävelsi runoja jakamatta niitä yksittäisiin semanttisiin osiinsa ja jätti ne koskemattomiksi taideteoksena. Paul Celan oli hänelle tärkeä inspiraation lähde. Hänen lastenlauluja (1961) sopraanolle ja pianolle, hän käytti äkillinen rekisteriin harppauksin ja erittäin korkea kentällä. Werner Reinertin taustalla olevat tekstit liittyvät vähemmän syklin kohderyhmään kuin niihin aiheisiin, joilla lapsi avaa maailman. Lauluosalle annetaan melismaattisia, jopa koloratuurimaisia ​​kappaleita, virtuaalisilla hyppyillä tai selkeällä virkerakenteella varustettu piano-osa:

Jälkeen kappaleina pienemmät mitat, kuten kolme Sonnets perustuvat päälle William Shakespeare ja Nachtstück perustin on Eichendorff , Reimann kirjoitti Engführung tenorille ja pianolle (1967), joka perustuu runoon Celanin ja joka kestää lähes puoli tuntia muistuttaa on kantaatti . Ensimmäistä kertaa hän käyttää merkintää, joka määrää sävelkorkeuden, mutta ei sävyn kestoa. Kuusi Sylvia Plathin runoa sopraanolle ja pianolle (1975) tutkii Sylvia Plathin runouden psykologisia vaaroja äärimmäisen kontrastisilla musiikillisilla keinoilla, jotka lauletaan nopeasti vuorotellen huimaavissa korkeuksissa tai suoritetaan alemman äänireunan kanssa. Vuonna sonetit on Louize Labé (1986) hän kirjoittaa vaativa sykli kappaleita mezzosopraano ja pianolle, jälleen kestävät puoli tuntia. 80-luvulta lähtien Reimann käytti pianolle myös vaihtoehtoisia soittotekniikoita, esimerkiksi valmiilla jousilla Shine and Dark (1989) baritonille ja pianolle. Hän luopuu kokonaan säestyksestä kappaleissa Entsorgungs (baritonisoolo 1989), Darkened (alttosoolo 1992) ja Lady Lazarus (sopraanosoolo 1992).

Wolfgang Rihmin teos nähdään käännekohtana laulukirjoitukselle Saksassa ja puhuu 50- ja 60-luvun estetiikan voittamisesta. Perinteisiä muotoja, kuten sonaatti tai sinfonia, jatketaan Rihmin kanssa, samoin kuin taidelaulu. Sen ensiesitykset Donaueschingenissa (1974/76) polarisoivat yleisön hylkääjiksi ja kannattajiksi. Häntä kiinnosti erityisesti mielisairaiden runoilijoiden, kuten Jakob Lenzin, ansioluettelot . Hän asetti tekstit Friedrich Hölderlin, joka oli henkisesti sairas myöhemmällä iällä, jotta musiikkia kuten Hölderlinin fragmentteja (1976/77) ja tekstejä, joita skitsofreeninen Adolf Wölfli on Wölfli laulukirja . Sykli päättyy duo kahdelle lyömäsoittajalle (Wölfli toimii kuin hullu) . Syklin Das Rot hän käsitteli runoja yhteensopimattoman romanttinen runoilija Karoline von Günderrode , joka päätti hänen elämänsä itsemurhan hukkumisen. Lukuisia muita kappaleita ei vain talleteta käsikirjoituksina Baselin Paul Sacher -säätiöön , vaan ne on myös julkaistu.

Wilhelm Killmayer , Manfred Trojahn , Michael Denhoff , Walter Zimmermann ja Wolfgang von Schweinitz erotettiin säveltäjinä, jotka jatkoivat taidelaulun viljelyä monenlaisissa kokoonpanoissa.

Elämä Neuvostoliiton miehitysvyöhykkeellä , myöhemmässä DDR: ssä, jatkui erilaisissa poliittisissa olosuhteissa . Kun Jugoslavian liittotasavallassa kulttuurielämän määrittelivät amerikkalaisten, brittien ja ranskalaisten mallit, Neuvostoliiton miehitysalueella Moskova antoi sävyn kulttuuripolitiikassa. Ensinnäkin Berliinistä haettiin yhteyttä modernismiin, jonka kansallissosialistit olivat kieltäneet; laajamittainen ja yleisesti saatavilla oleva konserttielämä kukoisti. Tyylillinen paluu oli kuitenkin lyhyt vaihe. Vuonna 1949 muodostettiin uusi hallitus ja DDR julistettiin valtioksi. Yksi puolue syntyi monista puolueista, joiden piti toimia keskitetyn hallinnon välineenä. Puolueen johto alkoi pian vaatia taideteoksia, jotka olivat "sisällöltään sosialistisia ja muodoltaan realistisia". Konkreettisesti vain niitä asioita, jotka edistivät demokraattisen kansan koulutusta ”korkean ihanteellisen ja taiteellisen arvon” avulla. Kustannustoiminta, levytuotanto, radio ja televisio, musiikkikoulutus ja musiikkikoulutus yliopistoissa, kuten koko julkinen elämä, määriteltiin puolueen ohjeiden mukaan.

Tästä aikakaudesta Hanns Eisler ja Paul Dessau nousivat Bertolt Brechtin tekstien säveltäjinä . Eisler sävelsi paitsi DDR: n uuden kansallislaulun, myös kaikkien maiden Proletarian kuorokappaleen , yhdistä! ja Aufbaulied der FDJ - tämä kuitenkin vaativampien tekstien, kuten Goethen, kamarimusiikin ja Brechtin teksteihin perustuvien oopperoiden käsittelemiseksi. Yliopistonlehtorina hän vastusti toistuvasti puolueen valtion vaatimuksia ja pysyi tärkeänä hahmona, jolla voidaan tunnistaa DDR: n nuoria säveltäjiä.

Rudolf Wagner-Régeny , Andre Asriel , Kurt Schwaen , Wilhelm Weismann ja Ruth Zechlin työskentelivät myös DDR: ssä. Vuonna 1961 Berliinin muuri rakennettiin ja valtio piirsi länteen, koska jo 150 000 asukasta oli jo muuttanut Berliinin länsiosaan pelkästään vuoden ensimmäisellä puoliskolla. Jännitteet muuhun väestöön, joka kiellettiin laittomalta rajanylitykseltä kuolemanrangaistuksella, olivat pitkällä aikavälillä väistämättömiä. Reiner Bredemeyer ja Tilo Medek , jotka karkotettiin Biermannin tapauksen aikana , mainitakseni vain kaksi, saivat ongelmia kulttuuribyrokratian ja puoluepoliittisen sensuurin kanssa . Koska Kansainvälinen uuden musiikin yhdistys järjesti myös festivaaleja Puolassa ja Unkarissa, DDR-säveltäjillä oli mahdollisuus orientoitua kansainvälisiin standardeihin. Selviytymään tekstisensuurin vaatimuksista, jotka usein antoivat musiikille vain jo kuluneiden tekstien säveltämisen, samalla kun ei anneta kontekstista poistuneen länsimaisen modernistisen tonaalisen kielen rappeutua palasiksi ja kaavat edellyttivät paljon ennakkolaskentaa.

Christfried Schmidt , joka sävelsi hienostuneen kirjallisuuden musiikkiin, ei löytänyt kustantajaa yhtä vaativille ja vakaville teoksilleen, eikä hänelle annettu poistumislupaa teostensa esittämiseen ulkomailla. Des Heavenin tummempi veli baritonille ja yhtyeelle sekä Siegfried Matthuksen ja Georg Katzerin sävellykset osoittavat kasvavaa kykyä valita tekstejä, jotka moniselitteisyydessään eivät antaneet aihetta valitukseen puoluepoliittisista suuntaviivoista, mutta olivat hyvin yleisö ymmärtää. Nykyään tunnetaan Udo Zimmermann , festivaalit ja konsertit järjestetään uudella musiikilla. Kanssa 5 lauluja baritonille ja orkesterille perustuvat päälle Wolfgang Borchert ja Nerudan kappaleita , hän uskaltautui raja-alueilla sensuuria.

Jälkeen Saksan yhdistymistä vuonna 1989, Saksassa tuli yhä avoinna kansainvälisiä vieraita. Younghi Pagh-Paan kirjoitti Flammenzeichenin yksinään ääni- ja lyömäsoittimille ja käsitteli siten saksalais-korealaisesta näkökulmasta Saksan sisäistä vastarintaa kansallissosialismia vastaan Sophie Schollin kuvassa . Italiassa syntynyt Luca Lombardi , joka on opiskellut säveltäjänä Berliinissä, on edustettuna Ophelia-fragmenteillaan , mutta vuonna 1987 yhdistää myös kohtauksen oopperastaan Faust. Un travestimento , jossa Schubertin kuuluisan Gretchen am Spinnraden lainaa ensin mukana oleva jousikvartetti, joka sitten vieraantuu. Hän kirjoitti Yedid Nefeshin mezzosopraanolle ja kitaralle Miriam Meghnagin heprealaisilla teksteillä .

Vuosituhannen muutos

Vuosituhannen vaihteen jälkeiselle ajalle on ominaista suuri sekaannus, lisääntyvä globalisaatio ja huomattavasti nopeampi maailmanlaajuinen tiedonvaihto Internetin välityksellä . Samanaikaisesti musiikin nauhoittaminen tarkoittaa, että valtava määrä musiikkiteoksia ja esityksiä arkistoidaan ja niihin pääsee käsiksi. Kappale tyylilajina kokee renessanssin ja tarjoaa itsensä toiminta-alueeksi säveltäjille, jotka haluavat käyttää "ääniinstrumenttia" pienessä mittakaavassa. Siirtyminen graafisesta notaatiosta tai kirjasinlajeista, joissa on etukäteen tutkittavia laajoja legendoja, ja kokeellinen lauluajattelu takaisin perinteiseen nuotintoon ja ääneen, joka ottaa huomioon laulavan äänen ominaisuudet. Laulu- ja puheäänen vaihtuminen on edelleen yksi yleisimmin käytetyistä tyylilaitteista, jotta se ei pääse takaisin liian tuttuun yhteensopivuuteen. Kappaleiden monimutkaisuus on kuitenkin pysynyt samana tai kasvanut.

Wolfgang Rihm kirjoittaa edelleen suurimman osan teoksistaan ​​kappaleen tyylilajissa. Pelkästään vuosituhannen vaihteen jälkeen kamarimusiikkimuodostelmille luotiin 26 teosta, mukaan lukien perinteinen äänen ja pianon instrumentointi. Aribert Reimann täydentää teoksiaan vuonna 2011 painetuilla Rilke-fragmenteilla sopraanolle ja pianolle. Vuonna 2009 korea-saksalainen säveltäjä Il Ryun Chung kirjoitti melkein 40 minuutin jaksonsa BirnenBlütenRegen - Ghisaengin elämästä vanhasta korealaisesta runosta korkea-sopraanolle ja yhtyeelle. Sanoitukset pyörivät ensimmäisen yhteydenoton kanssa potentiaaliseen asiakkaaseen, joka on runoilija, rakkauden yön, parisuhteen äkillisen päättymisen ja sitä seuranneen pitkäaikaisen menetyksen tunteen. Vaikka ei ole selvää tarkoittako Ghisaeng aina samaa rakastajaa vai useampaa, Schumannin ”Dichterliebeen” voidaan vetää rinnakkain. Sykli aiheuttaa lauluäänelle huomattavia vaikeuksia sekä rytmisesti että vokaalisesti, eikä sitä ole vielä suoritettu kokonaisuudessaan.

Kirkkomusiikista vaikuttanut säveltäjä Thierry Escaich on luonut useita laulusyklejä vuodesta 2001 lähtien, kuten B. Guernesey tenorille ja pianolle, Madre sopraanolle ja pianolle tai Les nuits hallusinées mezzosopranolle ja orkesterille. Vuonna 2013 julkaistiin kappalesarja Les Miroirs de la Ville kaikille laululajeille ja pianolle tai orkesterille. Korealainen amerikkalainen säveltäjä Jonghee Kang kirjoitti "Etsitään kuolemattomia", toisen syklin äänelle ja pianolle englanniksi.

Katso myös

• Työlaulu
• balladi
• Chanson
• Chanson de geste
• hengellinen laulu
• laulaa
• Laulupedagogiikka
• Canzone (musiikki)
• lasten laulu
• Konsertin aaria
• laulu
• Johdanto-osan kappale
• Laulukierto
• Laulun säestäjä
• madrigal
• Mastersingers
• Minstrel
• Romantiikka (musiikki)
• rondeau
• Villanelle
• Virelai
• Laulumusiikkia
• Kansanlaulu

kirjallisuus

• Hermann Danuser (Hrsg.): Musiikillinen lyyria (= musiikkilajien käsikirja . 8. osa, osa 1/2). Laaber-Verlag, Laaber 2004, ISBN 978-3-89007-596-9 .
• Franziska Martienssen : ääni ja muotoilu. CF Kahnt, Frankfurt 1927. Uusi painos: 1993, ISBN 3-920522-08-7 .
• Franziska Martienssen-Lohmann : Tietävä laulaja. Atlantis Verlag, Zürich et ai. 1956. Uusintapaino: Schott, Main et ai. 2010, ISBN 978-3-7957-0717-0 .
• Werner Oehlmann : Reclam laulu opas . Stuttgart 1973, ISBN 3-15-010215-4 .
• Marie-Paule Hallard: Lyhyt ranskan kielen fonetiikka: Laulajille, pianonäyttelijöille, lauluopettajille ja kuorojohtajille. Julkaisussa: Vox Humana. Osa 4, painos 3, helmikuu 2009, ISSN  1861-065X . Le Français chanté. (Upotus)
• Margareta Saary, Barbara Dobretsberger: pianolaulu . Julkaisussa: Oesterreichisches Musiklexikon . Verkkopainos, Wien 2002, jäljempänä , ISBN 3-7001-3077-5 ; Painettu painos: 2. osa, Verlag der Österreichischen Akademie der Wissenschaften, Wien 2003, ISBN 3-7001-3044-9 .
• Peter Jost:  Laulu. Julkaisussa: Ludwig Finscher (Hrsg.): Musiikki menneisyydessä ja nykyisyydessä . Toinen painos, aiheosa, osa 5 (Kassel - Meiningen). Bärenreiter / Metzler, Kassel ym. 1996, ISBN 3-7618-1106-3 , Sp. 1259-1328 ( verkkopainos , tilaaminen vaaditaan täydelliseen käyttöön)

nettilinkit

• Julkiset ilmaiset kappaleet IMSLP: llä
• LiederNet-arkisto - Sanat alkuperäiskielellä ja käännös
• OpenScore Lieder Corpus , julkinen kopiointi toistoa ja lataamista varten
• 250 julkista taidekappaletta foneettisella IPA-transkriptiolla
• Marie-Paule Hallardin julkaisut kappaleiden ranskankielisestä ääntämisestä
• Ilmaiset äänitteet kaikista Franz Schubertin kappaleista (rakenteilla)
• Tuntemattomien säveltäjien kappaleet
• Hampsong-säätiö, musiikkitieteellinen ja opettavainen online-arkisto, Thomas Hampson (englanti)
• Ooppera- ja liederlaulaja Thomas Hampsonin esseet, lähinnä saksalaisiin tai amerikkalaisiin säveltäjiin
• Etiketistä konserttisalissa
• Heidelbergin kansainvälinen laulukeskus
• Kansainvälinen Hugo Wolf -akatemia
• Lauluportaali

Yksittäiset todisteet

1. ↑ Peter Jost:  laulu. Julkaisussa: Ludwig Finscher (Hrsg.): Musiikki menneisyydessä ja nykyisyydessä . Toinen painos, aiheosa, osa 5 (Kassel - Meiningen). Bärenreiter / Metzler, Kassel ym. 1996, ISBN 3-7618-1106-3 , Sp. 1259–1328, täällä: Sp. 1263 ( verkkopainos , tilaaminen vaaditaan täydelliseen käyttöön)
2. ↑ Peter Jost:  laulu. Julkaisussa: Ludwig Finscher (Hrsg.): Musiikki menneisyydessä ja nykyisyydessä . Toinen painos, aiheosa, osa 5 (Kassel - Meiningen). Bärenreiter / Metzler, Kassel ym. 1996, ISBN 3-7618-1106-3 , Sp. 1259–1328, tässä Sp. 1264 ( verkkopainos , tilaaminen vaaditaan täydelliseen käyttöön)
3. ^ Johann Christian Gottsched: Yritä kriittistä runoutta. Leipzig 1730 ja Joh.H.Zedler: Universal-Lexikon. Vol. 17, Halle / Leipzig 1738, lainattu Peter Jost:  Lied. Julkaisussa: Ludwig Finscher (Hrsg.): Musiikki menneisyydessä ja nykyisyydessä . Toinen painos, aiheosa, osa 5 (Kassel - Meiningen). Bärenreiter / Metzler, Kassel ym. 1996, ISBN 3-7618-1106-3 , Sp. 1259–1328, täällä: Sp. 1264 ( verkkopainos , tilaaminen vaaditaan täydelliseen käyttöön)
4. ^ Joh. A. Scheibe: Der Kriittinen Musicus. Uusi, parannettu ja parannettu painos. Breitkopf, Leipzig 1745, s.583 ( digitalisoitu Google-teoshaulla)
5. ^ Johann Georg Sulzer : Yleinen teoria Kuvataideakatemia , Volume 2. Leipzig 1774, s. 713-718 ( verkossa osoitteessa Zeno.org .).
6. ^ Johann Georg Sulzer : Yleinen teoria Kuvataideakatemia , Volume 2. Leipzig 1774, s. 718-720 ( verkossa osoitteessa Zeno.org .).
7. ↑ Hans Georg Nägeli: Laulujen taide. Julkaisussa: General musical newspaper. 19, 1817, sarake 766; Katso yksityiskohtaisesti W.Dürr 1984, lainattu Peter Jost:  Lied. Julkaisussa: Ludwig Finscher (Hrsg.): Musiikki menneisyydessä ja nykyisyydessä . Toinen painos, aiheosa, osa 5 (Kassel - Meiningen). Bärenreiter / Metzler, Kassel ym. 1996, ISBN 3-7618-1106-3 , Sp. 1259–1328, täällä: Sp. 1265 ( verkkopainos , tilaaminen vaaditaan täydelliseen käyttöön)
8. ↑ Heinrich W. Schwab: laulettavuus, suosio ja taidelaulu : laulu- ja lauluestetiikan tutkimukset .. keskellä Goethen ajanjaksoa. 1770-1814. Bosse, Regensburg 1965, s. 137, lainannut Peter Jost:  Lied. Julkaisussa: Ludwig Finscher (Hrsg.): Musiikki menneisyydessä ja nykyisyydessä . Toinen painos, aiheosa, osa 5 (Kassel - Meiningen). Bärenreiter / Metzler, Kassel ym. 1996, ISBN 3-7618-1106-3 , Sp. 1259–1328, täällä: Sp. 1263 ( verkkopainos , tilaaminen vaaditaan täydelliseen käyttöön)
9. ^ Hermann Danuser (Toim.): Musiikillinen lyrika. Laulu- ja lauluyhtyeen taide. Osa 1: Antiikista 1700-luvulle / Osa 2: 1800-luvulta nykypäivään - Euroopan ulkopuoliset näkökulmat (= Handbook of Musical Genres, osa 8), Laaber-Verlag, Laaber 2004. ISBN 978-3-89007- 131-2
10. ^ Hugo Riemann: Musik-Lexikon, Verlag des Bibliographischen Institut, Leipzig 1882, s.523.
11. ↑ Reclamin kappaleopas. S. 30.
12. ↑ Reclamin kappaleopas. S. 17 ja sitä seuraavia
13. ↑ laulu. osoitteessa: universal_lexikon.deacademic.com
14. ↑ dtv-Atlas Musik, s.125.
15. ↑ Musiikki menneisyydessä ja nykyisyydessä. S. 1263, artikkeli "Lied"
16. ^ Dietrich Fischer-Dieskau: Hugo Wolf: Elämä ja työ. Henschel Verlag, 2003, ISBN 3-89487-432-5 .
17. ↑ Werner Oehlmann: Reclamin lauluopas . S. 654.
18. ↑ Werner Oehlmann: Reclamin lauluopas . S. 686.
19. ↑ Werner Oehlmann: Reclamin kappaleopas . S. 745.
20. ^ Walter Braunfels toimii. ( Memento 2. maaliskuuta 2013 Internet-arkistossa ) osoitteessa: walterbraunfels.de
21. ↑ Axel Bauni ym.: Reclamin lauluopas . S. 827.
22. ↑ Bauni, Oehlmann ym.: Reclams Liedführer. S. 915.
23. ↑ Bauni ym.: Reclams Liedführer, s.977 .
24. ↑ Ulrich Tadday (Toim.): Helmut Lachenmann. (PDF; 4,1 Mt) sivulla: claussteffenmahnkopf.de
25. ↑ Reclamin kappaleopas. S. 1030.
26. ↑ ilryunchung.com